Magraner, violagambista y musicólogo de dilatada trayectoria, planteó la velada como una intensa travesía a través de las sensibilidades que definieron Europa durante los siglos XVI y XVII. Y como por arte de magia, el público de la Ciudadela se sintió transportado a escenarios sonoros, únicos para la música. Magraner, quien fundó Capella de Ministrers en 1987 con el firme propósito de rescatar el patrimonio olvidado, explicó la génesis de esta apuesta por el Mediterráneo: “De algún modo, el Mediterráneo de Monteverdi, Frescobaldi y sus contemporáneos reflejan esa misma realidad: un espacio abierto donde confluyen tradiciones, sensibilidades e influencias diversas. Si tuviera que resumirlo en una idea, diría que nuestro mayor valor añadido es convertir el patrimonio musical en una experiencia cercana, emocionante y profundamente humana”.

El programa fue un despliegue de virtuosismo y conocimiento. La figura de Claudio Monteverdi sobrevoló la Plaza de los Polvorines como el arquitecto del paso entre dos mundos. Como bien destacó Magraner, “Monteverdi es, sin duda, la figura que mejor simboliza el paso del Renacimiento al Barroco. Su música inaugura una nueva manera de entender la expresión, donde las emociones humanas y el significado de las palabras adquieren un protagonismo absoluto”. A su lado, la figura de Girolamo Frescobaldi aportó el contrapunto de innovación instrumental. “Fue un innovador extraordinario que abrió nuevos caminos para la música de teclado y ejerció una influencia decisiva en generaciones posteriores de compositores europeos”, subrayaba el director valenciano.

Esta edición del FICS ha puesto especial énfasis en la Corona de Aragón, y la elección de Capella de Ministrers para el concierto final reforzó este eje temático. Magraner lo valoró muy positivamente: “Me parece una iniciativa muy valiosa y necesaria. La Corona de Aragón fue un espacio de encuentro entre culturas, lenguas y tradiciones que dejó una huella profunda en la historia musical del Mediterráneo”. Para el director, esta no es una cuestión de arqueología académica, sino de identidad viva: “Festivales como este contribuyen a recuperar y difundir un legado extraordinario, poniendo en valor repertorios, manuscritos y compositores que forman parte de nuestra identidad cultural. Además, nos ayudan a comprender que la música fue uno de los principales vehículos de intercambio entre los distintos territorios de la Corona, desde Valencia y Cataluña hasta Mallorca, Sicilia o Nápoles”.

Un gran ensemble y dos estupendos Pino de Vittorio y Èlia Casanova, más una energía “muy vinculada al espíritu innovador» de los autores interpretados, fue la clave de la conexión con el auditorio jaqués. O lo que es lo mismo, ahondar en una fuerza expresiva capaz de transformar sentimientos en música. «Lo más importante», insistía antes del concierto, «es escuchar con atención, disfrutar de los matices y permitirse viajar en el tiempo a través de estos sonidos que forman parte de nuestra memoria cultural mediterránea».

Compromiso con la excelencia

Al reflexionar sobre el estado actual de la música antigua, Carles Magraner se mostró optimista pero también consciente de los retos que aguardan en el futuro inmediato. En su opinión, estamos viviendo un «momento de los más estimulantes de las últimas décadas», caracterizado por un nivel interpretativo que ha alcanzado la excelencia internacional. Sin embargo, el desafío de conectar con las nuevas generaciones es una prioridad que no admite demora. “A veces existe la idea de que la música antigua es algo lejano o reservado a especialistas”, comentó, “cuando en realidad habla de emociones profundamente humanas: el amor, la pérdida, la esperanza, la celebración o la espiritualidad”.

Magraner hizo una llamada a la reflexión sobre el papel de estas músicas en nuestra sociedad: “Cuando conseguimos transmitir esa dimensión cercana, sucede algo muy hermoso: el público descubre que estas obras, aunque fueron escritas hace siglos, siguen emocionándonos con una fuerza sorprendente”. El director también puso sobre la mesa la necesidad de estabilidad para los proyectos culturales. “La creación, la recuperación patrimonial y la difusión cultural requieren tiempo, continuidad y apoyo. Por eso será esencial reforzar la colaboración entre instituciones, festivales, centros de investigación y formaciones especializadas”.

El concierto en la Ciudadela no fue sólo un cierre de festival, fue además un manifiesto hecho directo. Magraner concluyó sus reflexiones con un optimismo que verdaderamente contagia: “Después de tantos años dedicados a este ámbito, sigo comprobando concierto tras concierto que el público responde con entusiasmo cuando se le ofrece una propuesta rigurosa, sincera y capaz de comunicar. Y es que, más allá de estilos o épocas, la música siempre encuentra la manera de conectar con las personas”. La música de Monteverdi y Frescobaldi, al entrelazarse con la identidad de la Corona de Aragón, demostró no sólo que el cualquier pasado sigue vivo, sino que es un horizonte inagotable de belleza y júbilo en manos de buenos intérpretes. Y es que la trigésimo quinta edición del FICS nos ha recordado, de verdad, que la Música es todo un Camino privilegiado para el cultivo y la felicidad desde las Artes.

Diseñada como un taller de animación y tiempo libre, ‘La abuela vihuela’ demostró que la barrera entre los orígenes del instrumento y el espectáculo es mucho más que permeable. Bajo la premisa de fomentar una escucha activa, el evento se apoyó en el pilar fundamental de la vihuela, definida por las ponentes como “el instrumento rey del renacimiento español”. Además de hablar sobre los orígenes de su música, la cita estuvo enriquecida con “manualidades para el conocimiento del instrumento”, permitiendo que los más pequeños comprendieran de forma básica, mediante la manipulación de materiales, la anatomía y lógica de esta joya renacentista.

Este formato de animación taller es para La Tendresa un proyecto con rodaje: “El concierto taller lleva dos años recorriendo la Península y aseguramos el éxito para los pequeños así como para los adultos”, comentaban con la satisfacción de quien conoce el interés por la propuesta y su relato musical. La narrativa del directo se construyó en torno a sus “historias sobre las andanzas de dos músicos por la Península”, un enfoque que permitió “humanizar los cancioneros renacentistas” a los más pequeños. 

Èlia Casanova y Belisana Ruiz explicaron que “nuestros cancioneros de entonces tienen gran repertorio para pensar que son obras escritas por grandes compositores pero que recogen letras e historias de todo tipo de gente”. Esta democratización de la música fue otro de los descubrimientos para los pequeños presentes en Villanúa. Antes de construir sus vihuelas todos los niños y niñas, por parte de las dos artistas sonaron ‘Al alba venid’, ‘Por unos puertos arriba’, ‘Ay triste que vengo’ de Juan del Encina, ‘Porque me nâo ves loâna’, ‘La canción del emperador’ de Luis de Narváez, ‘Canarios’ de Gaspar Sanz y ‘Guárdame las vacas’. Y también apareció Francisco Tárrega en este particular viaje musical.

“Muchas de ellas eran anónimas”, manifestaron. “Destacamos la aparición de los autores anónimos que muchas veces podemos pensar que en realidad son autoras”, señalaron las responsables de La Tendresa. “Anónimas, por supuesto, ya que en esta época era impensable la rúbrica de una mujer en un manuscrito”, una dimensión reivindicativa que subraya el papel silenciado de la mujer en la Historia de la Música. Ambas intérpretes avanzaron por el Barroco y llegaron hasta el siglo XIX.

Finalmente, la puesta en escena destacó por su sobriedad y “la honestidad del sonido”, resumieron ambas al explicar su estilo. “Nuestra puesta en escena es simple y directa, no lleva artificios ni grandes alardes virtuosistas. Nos dedicamos a contar historias”. Esa sencillez permitió que la vihuela respirara sola, y que las historias de aquellos músicos viajeros del pasado se sintieran extrañamente cercanas. 

Después, el taller continuó y, con ello, la creación de una pequeña pieza de arqueología sonora, gracias al cartón, la magia y la ilusión. Más allá de llevar la música a todos los rincones del Camino, se golpeó la puerta para que las nuevas generaciones se animaran a escuchar, por primera vez, algunos de los ecos de su propia historia. Por una tarde y dos talleres, el Espacio Sarrios se convirtió en un rincón del siglo XVI donde se compartían coplas y el espíritu de una época en la que la música ya era el lenguaje universal de la Península.

Catedrático de Musicología en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y especialista en canto gregoriano, Alberto Cebolla es un hombre que entiende la música como un manuscrito antiguo donde cada hoja debe ser leída con respeto, interés y pasión. La propuesta para esta edición del FICS se adentró en la porosa frontera entre el Ars Antiqua y el Ars Nova, una etapa de ebullición artística donde las estructuras rígidas de la tradición empezaron a ceder ante la necesidad de una mayor expresión.

“La principal singularidad de nuestra propuesta es acercar al público un momento de enorme riqueza y transformación de la historia musical europea: el tránsito del Ars Antiqua al Ars Nova a través de la Misa de Tournai, una de las primeras misas polifónicas conservadas”, explicaba Cebolla. “Además, el programa dialoga directamente con el patrimonio de la Corona de Aragón, incorporando fuentes vinculadas a este territorio y mostrando cómo estos lenguajes musicales circulaban por nuestros grandes centros religiosos y de poder”.

La elección de la Catedral de Jaca no fue casual. Como recordaba el director, este edificio fue un testigo vivo de la historia del Reino de Aragón. Al interpretar la Misa de Tournai, pieza fundamental en la historia de la polifonía, junto a manuscritos de origen oscense que hoy descansan en la Biblioteca Nacional de España, la Schola Cantorum logró establecer un puente tangible entre Europa y el corazón del Pirineo. El público jaqués fue testigo de una convivencia casi mágica entre la antigua tradición y las nuevas posibilidades rítmicas. Cebolla Royo ponía en valor este contraste, subrayando que “uno de los aspectos más interesantes es escuchar en un mismo programa la convivencia de dos mundos: las limitadas estructuras del Ars Antiqua y las nuevas posibilidades expresivas del Ars Nova, con una polifonía más desarrollada y una nueva concepción del ritmo”.

Calidez comunicativa

El estilo de la Schola Cantorum Paradisi Portae se desmarca por una calidez comunicativa poco común. Cebolla Royo es un firme defensor de que el rigor histórico no está reñido con los tintes emocionales. De hecho, el director insiste en que su labor no es solo académica, sino fundamentalmente humana: “Creo que el público valora especialmente la capacidad de hacer cercana y sencilla una música que, a priori, puede sentirse lejana”, confesaba el musicólogo. “Nuestra práctica parte de la investigación histórica y musicológica, pero busca una interpretación viva, expresiva y comunicativa. Trabajamos con el conocimiento de las fuentes, de la notación y de las prácticas interpretativas medievales para recuperar todos los matices posibles de este repertorio”.

Esa cercanía se palpó así en la Catedral, por la honestidad en la forma en que los intérpretes se enfrentaban al texto, entendiendo que esta música, a menudo de autor anónimo, sólo puede cobrar vida cuando se aborda con sincera convicción. La noche jacetana fue el testimonio perfecto de esta filosofía y abordaje. En palabras del propio Alberto Cebolla, fue toda una oportunidad para dejarse llevar “por el sonido y la atmósfera”, una experiencia donde la música se entiende ligada a la ceremonia y al lugar que la vio nacer. En esta línea, para el director de la Schola Cantorum, el Festival Internacional en el Camino de Santiago es “una iniciativa sensacional para alimentar el imaginario de nuestra música antigua”, como territorio y vibrante cruce de caminos abierto al intercambio artístico constante.

La Schola Cantorum Paradisi Portae atraviesa un momento más que dulce. No es un grupo que mire al pasado por inercia. Este 2026 está siendo un año de una actividad frenética y diversa. Desde sus colaboraciones con Novum Organum en la representación del ‘Misteri dels Tres Reis d’Orient’ —que ha recorrido media España— hasta su participación en espectáculos multidisciplinares tan ambiciosos como ‘Juana ficción’, junto a figuras como La Ribot y OCAZEnigma, el conjunto demuestra una versatilidad que le permite transitar desde la iglesia más austera hasta festivales de vanguardia en París, Bruselas o Lille.

Para Cebolla, el gran reto de la música antigua en la actualidad, y su principal preocupación, radica en el equilibrio: “La música antigua vive un momento interesante, con una gran capacidad de renovación y de conexión con nuevos públicos”, reconoce con cautela. “Pero considero que el reto principal es mantener un equilibrio entre la creatividad interpretativa y el rigor histórico. La investigación y el estudio deben seguir siendo una base esencial, porque es lo que nos permitirá descubrir, con fundamento estético y académico, nuevas perspectivas para seguir comunicando esta música y que forme parte del presente”. En el Camino, como en el festival, pudimos asistir en la Catedral de Jaca a toda una bella ‘oración cantada’ en el tránsito entre Ars Antiqua y Nova, permitiendo que la música, una vez más, cumpliera su propósito milenario, el de conectar lo humano con la dimensión más intangible y trascendente.

La propuesta ofreció “un punto de vista histórico, filosófico, religioso a través de la música y la literatura de lo que supone el fenómeno del eclipse”, explicó Altadill. Fue el eje vertebral de un repertorio que, además, buscaba la reflexión sentida. Desde la desesperación de las piezas de Georg Friedrich Händel o Johann Sebastian Bach cuando la oscuridad se cierne sobre el horizonte, hasta los versos de un Lord Byron, el concierto transitó por varios de los estados anímicos que el eclipse ha despertado —y sigue despertando— a lo largo de los siglos, senderos que han ido desde la superstición hasta la admiración de sabios y científicos.

El grupo destacó la inclusión de obras de “compositores astrónomos”, como el sucesor de Johannes Kepler en la corte de los Habsburgo en Viena, o William Herschel, una figura fundamental en la Historia de la Ciencia por ser el descubridor de Urano. “Queremos destacar la diversidad de registros y diferentes épocas en textos y en las piezas musicales, creando un hilo narrativo”, señaló la directora, para que Ciencia y Arte se pudieran dar la mano. Ya decía Séneca que cuando el Sol se eclipsara para desaparecer, se vería mejor su grandeza.

El público de Santa Cruz de la Serós respondió con gran atención a esta apuesta de caminos varios. Para la directora de MAB Consort, la clave de sus directos no reside sólo en lo técnico, sino en el poder de “fomentar la curiosidad” en el espectador, creando un cuidado marco donde la música no se representa aislada, sino potenciada por otras expresiones artísticas, culturales y sociales. 

Declaración de intenciones

La actuación en Santa Cruz de la Serós no fue, por tanto, solo una pieza más en el engranaje del Festival Internacional en el Camino de Santiago. Fue una declaración de intenciones: un ejercicio de divulgación científica y artística que demostró que, cuando la música antigua se aborda bajo nuevas ideas y una dramaturgia elegida para la ocasión, ésta es capaz de conectar con la sensibilidad del público contemporáneo, demostrando, tras siglos de historia, que los temas, asuntos y preocupaciones que nos fascinan siguen siendo exactamente los mismos: las luces y las sombras ante nuestra insaciable curiosidad por el cosmos, porque, como decía el maestro de la conciencia Robert Adams, a fin de cuentas, “nuestro universo es un mar de energía, energía libre y limpia. Todo está ahí afuera esperando que nos pongamos en ella”.

Para el grupo, este año está resultando ser un importante punto de inflexión. Tras los años marcados por la pandemia, Altadill valora con optimismo el momento actual de su agrupación, pues “ha traído nuevas oportunidades de creación y de representación en diferentes festivales”, comenta. La actividad es intensa, pues mientras siguen profundizando en la recuperación de la música escrita por mujeres —línea iniciada hace seis años con el proyecto ‘Ave Eva’—, han dado el salto a las aulas de Educación Secundaria con ‘Camins de Fada’, una iniciativa pedagógica que busca acercar la literatura y la música en femenino a la enseñanza formal. 

Además, continúan girando con ‘Debajo de la hoja de la Verbena’, un espectáculo que integra la poesía y el teatro de Lorca con la participación del actor Pep Planas y la guitarrista Carmen Becerra, y que ya tiene proyectada su internacionalización por ciudades europeas para el próximo año. Al analizar el panorama actual de la música antigua y barroca, Altadill se muestra esperanzada, aunque con matices. Observa con entusiasmo la eclosión de jóvenes agrupaciones respaldadas por conservatorios y centros de estudios superiores, lo que, a su juicio, puede ser la clave para atraer nuevo público, más joven, a los festivales. 

Sin embargo, volviendo a las cuestiones base, advierte sobre la necesidad de un cambio de paradigma en la enseñanza: “Creemos firmemente que se debe entrar en el aula de forma más vivencial —proyectos de interpretación, asistencia a festivales con pases especiales para adolescentes o creación de conciertos educativos—, no solo como un tema histórico para cumplir con el currículo educativo”, concluye la directora.

Desde los comienzos, muchas de las reglas y normas culturales que asociamos con culturas dominantes no estaban grabadas en piedra. “Podían adaptarse y cambiar, podían convivir con los llamados bárbaros y adoptar sus formas de vida. El mundo antiguo era de movimiento, de fluctuación y de intercambio. Ya desde la Antigüedad, las ideas se movían por el mundo mucho más rápido que las personas”, afirmó recientemente el historiador y escritor Owen Rees. Culturas y conceptos, sonidos e ideas, con el objetivo de “redescubrir e interpretar repertorios de música antigua, Canticum Novum teje vínculos entre la música de Europa occidental y los repertorios del Mediterráneo, enriquecidos por la unión del mundo cristiano y un Oriente marcado por una doble herencia judía y mora”, como así expresa la propia filosofía de la formación.

Y es que desde su fundación hace justo treinta años por Emmanuel Bardon, la trayectoria de este ensemble ha sido un ejercicio constante de arqueología musical y puente cultural. Su generosa labor, lejos de ser un simple rescate de partituras empolvadas, es una inmersión en la “aventura humana y la interculturalidad”. Bajo el título de ‘Paradaïa’, el programa elegido para esta velada nos sumergió en una atmósfera de meditación, fiesta y deleite, evocando la estructura del jardín persa: “Un conjunto coherente y estructurado, busca expresar y representar la armonía entre los entornos culturales y naturales, entre el hombre y la naturaleza. Lugar cerrado y misterioso, estimulante para los sentidos, el jardín persa de antaño invitaba al descanso, a la meditación y al placer, y revelaba la potencialidad invisible de los recursos naturales”.

Bajo esta premisa, la Ciudadela se transformó en esos jardines imaginarios donde los senderos de piedra resonaban “con los ecos de la vida cortesana otomana y la intimidad de las tradiciones rurales”. Con una formación reducida pero de poderosa potencia expresiva, el ensemble demostró por qué son un gran referente en lo suyo. Bajo la dirección musical de Emmanuel Bardon, quien también aportó la voz, el grupo regaló un concierto maestro, compuesto además por Gülay Hacer Toruk (canto), Spyros Halaris (kanun, laúd y canto), Aliocha Regnard (nyckelharpa y fídula) y Henri-Charles Caget (de aplaudidas percusiones).

Identidad y diversidad

El despliegue de instrumentos ofreció sonoridades únicas, como la de la nyckelharpa y el fídula, que dialogaban con la finura del kanun y el laúd, todo envuelto con el pulso rítmico de las percusiones. “Una encrucijada de culturas y expresiones artísticas”, como bien definen desde el ensemble, que hace que su música suene “sorprendentemente viva tras 800 años de intercambio”, erigiéndose como un auténtico testimonio de diversidad, respeto y también de convivencia y tolerancia.

Desde la tradición alevíe — mística, sincrética y liberal del Islam— con ‘Salindi bahçeye girdi’, pasando por las cantigas españolas ‘Quantas sabedes’ —que nos recordaron nuestras raíces peninsulares—, hasta la intensidad de la música clásica otomana y la melancolía de los romances sefardíes ‘En la escola’, cada pieza interpretada resultó ser un pétalo más de ese jardín persa que Canticum Novum fue construyendo para los oídos del público jaqués. Una Europa mediterránea y oriental que cerró el círculo con temas como ‘Es kişer hampartsum’, en el tránsito hacia los sonidos griegos y armenios.

Canticum Novum, que reside permanentemente en la Ópera de Saint-Étienne, hizo gala de por qué su labor es esencial en el panorama artístico europeo. Su compromiso con la transmisión, con cuestionar “constantemente la identidad, la oralidad, la transmisión y la memoria”, se sintió en fraseos y gestos de los intérpretes. ‘Yasemi mou’ (tradición chipriota) o el villancico griego ‘Saranta méres’ fueron algunos de sus puentes por y para la encrucijada vivida en la Ciudadela, todo un viaje a los “confines de las músicas antiguas y tradicionales”. ‘Paradaïa’ fue toda una promesa cumplida. Los “ecos de Persia, Turquía y Europa se entrelazaron”, permitiéndonos vislumbrar esa armonía que pretende este jardín persa.

Canticum Novum resultó ser todo un gran recordatorio de que, en la encrucijada de pueblos y culturas, el arte es un precioso bello acto de originalidad y resistencia ante cualquier gesto de uniformidad. Como los buenos jardines, Jaca recordará el rastro por este jardín persa tras de haber abandonado nuestro paseo, pues los ritmos y las melodías de este ensemble continuarán floreciendo con gran eco en la memoria de quienes felizmente asistieron a la Ciudadela.

La elección de Dowland no fue casual. Se trata de un autor cuya vida y obra, marcadas por la melancolía, resuenan con una profundidad y vigencia casi contemporáneas. “La música de John Dowland seguramente esté en lo más alto dentro de la música inglesa de esta época e incluso europea, aparte de la belleza de sus composiciones tanto los ‘ayres’ para voz y laúd como las composiciones de laúd a sólo, su sello de melancolía, la belleza dentro de la eterna tristeza y el sentimiento conmovedor de esta música es absolutamente incomparable”, explica la soprano.

El concierto se presentó no solo como una muestra de repertorio, sino como un preludio a un hito personal y profesional para el conjunto. “Nuestro Dúo Orpheo celebrará en 2027 su veinte aniversario de trayectoria artística. Con motivo de esta fecha tan especial, nos gustaría presentar un programa dedicado al gran laudista y compositor inglés John Dowland, cuya música hemos estudiado, interpretado y disfrutado profundamente a lo largo de todos estos años”, apuntaba Boix.

La ejecución de las piezas reveló la madurez de unos artistas que entienden la música antigua como un lenguaje vivo, haciendo para cada tema un traje a la medida de lo que en esencia es una moderna poética. El público de Tamarite de Litera aplaudió la compenetración orgánica entre la voz y el laúd, un diálogo donde la naturalidad y el rigor histórico caminaron de la mano sin que ninguno de los dos elementos eclipsara la expresividad del otro. Durante la velada, la soprano ofreció una de las claves para entrar en ese mundo de la Inglaterra isabelina: “Conocer los textos de las letras de las canciones ayuda mucho a entender el sentimiento que estos ayres intentan transmitir al oyente. Cerrar los ojos y escuchar y dejarse llevar por los sentimientos que despierta esta música”.

El respetable dejó que la melancolía de Dowland y sus bellos y nobles propósitos —un hombre que vivió entre las cortes europeas y las intrigas isabelinas— llenaran con agradecimiento a cada rincón de la iglesia, para un directo tan fino e íntimo como sincero y memorable. Cuando el concierto llegó a su fin y los últimos acordes de laúd se disolvían bajo la bóveda, todo se sintió como un auténtico viaje en el espacio tiempo, guiado por una voz que conoce bien los secretos de esa emoción y tono. Con grandes dosis de alma y rigor por parte de estos dos grandes intérpretes, en Tamarite de Litera, John Dowland encontró un nuevo hogar en nuestros corazones, y el público se llevó consigo la certeza de que esa “eterna tristeza” de la que habla el compositor es, en realidad, una de las formas más puras de alegría que el arte nos puede obsequiar y contagiar para el buen estado de nuestras almas y ánimos.

Movimiento y consolidación

Más allá del programa, la presencia de Boix en el FICS sirvió también para reflexionar sobre el estado actual de nuestra música antigua. En un año, 2026, donde el ritmo de festivales y ciclos de conciertos es, según la propia artista, “bastante constante durante todo el mismo”, la soprano destaca el buen momento que atraviesa el sector. “La música antigua está en un momento álgido con grandes agrupaciones especializadas en España y en toda Europa, también grandes cantantes e intérpretes de todos los instrumentos. También hay cada vez más festivales especializados donde se programan ciclos con una gran calidad”, subraya.

En cuanto al papel específico del certamen, que este año ha puesto un especial énfasis en el patrimonio musical de la Corona de Aragón, Boix se muestra entusiasta: “El patrimonio musical de una región es un tesoro que merece ser puesto en valor y siempre es bueno potenciar esto. Es un aliciente para los músicos que trabajan en estas recuperaciones históricas que salen a la luz con estos apoyos”, afirma con convicción. Para alguien que ha dedicado su vida a la interpretación de repertorios de todo tipo y procedencia, el apoyo institucional no es solo un respaldo, sino un reconocimiento a la importancia de nuestra memoria cultural.

Las carreras de Eugenia Boix y Jacinto Sánchez, el Dúo Orpheo, no se detienen aquí. Con la mirada puesta en ese vigésimo aniversario que llegará en 2027, el conjunto ya prepara nuevos proyectos con la intención de realizar una gira amplia por toda España y, si las circunstancias lo permiten, dar el salto internacional con mayor contundencia. El 2026 está siendo, en sus palabras, un año de “mucho movimiento, consolidación y trabajo incesante”.

El programa que llegó a Bolea bajo el título ‘Alegoría del amor’ no fue una simple sucesión de piezas, sino una inmersión profunda en la Valencia del siglo XVI, concretamente en el entorno de la corte del Duque de Calabria. Para Magraner, la conexión entre este repertorio y el FICS es casi ‘orgánica’. A lo largo de los siglos, el Camino de Santiago ha sido un vector de proyectos, donde la diversidad converge: «El Camino de Santiago ha sido históricamente una vía de encuentro, intercambio y circulación de ideas, culturas y músicas», explica el director. «De algún modo, el universo del Cancionero de Upsala refleja esa misma realidad: un espacio abierto donde confluyen tradiciones, sensibilidades e influencias diversas».

El repertorio elegido permitió al público asomarse a una de las épocas más brillantes de nuestra música. Aunque muchas de las piezas del Cancionero de Upsala son anónimas —un hecho que, según Magraner, era habitual en el Renacimiento, donde primaba la funcionalidad de la música sobre el ego del autor—, la calidad y la ejecución técnica de las obras fue rotunda. Los músicos de Capella de Ministrers navegaron con maestría por las aguas de la melancolía y la alegría, ya que “estas piezas muestran un extraordinario dominio de la polifonía y una gran sensibilidad para expresar los distintos matices del amor», apunta Magraner.

«La música habla de emociones universales: el amor, el deseo, la nostalgia, la alegría o la contemplación. Son obras creadas hace siglos, pero que siguen conectando con nosotros de una forma muy directa. En ‘Alegoría del amor’, yo invito a dejarse llevar por la belleza de las melodías y la delicadeza de los textos del Renacimiento». Se aplaudió un precioso ejercicio armónico de equilibrio. Magraner y los suyos defienden una aproximación que no renuncia a la investigación, pero que se niega a la frialdad. Su estilo, definido por una rigurosidad histórica impecable, pretende siempre el calor de la comunicación directa: «No buscamos únicamente reconstruir cómo pudo sonar esta música en su tiempo, sino transmitir la fuerza expresiva que encierra y hacer que dialogue con el oyente de hoy», como así sucedió y se celebró en la Colegiata.

A lo largo del concierto, los villancicos, que mezclan la savia popular con los recursos compositivos más refinados del Renacimiento, junto con los tonos de canto de órgano, crearon un clima único para la ocasión. En palabras de Magraner, el secreto de este éxito es la honestidad con la que aborda cada una de las partituras: «Creo que lo que el público más valora de nuestros conciertos es la autenticidad y la capacidad de transmitir emociones», asegura. «Más allá del rigor histórico, que forma parte de nuestra manera de trabajar, intentamos que cada interpretación sea una experiencia viva, cercana y emocionante».

‘Alegoría del amor’ es un programa “que ya hemos tenido ocasión de presentar en distintos escenarios y que ha ido madurando con cada interpretación», comenta. «La verdad es que eso es algo que valoramos mucho, porque la música antigua también crece sobre el escenario: cada concierto aporta nuevos matices, nuevas lecturas y una relación diferente con el público». Cuando los últimos ecos de las violas y voz se desvanecían bajo la bóveda de la Colegiata, quedó el concierto como regalo. «Nuestro mayor valor añadido es convertir el patrimonio musical en una experiencia cercana, emocionante y profundamente humana», un presente compartido y, siempre, a repetir. Para futuras citas, Magraner deja este consejo con la música antigua: «Escuchar estos conciertos con curiosidad y sin intentar buscar explicaciones inmediatas». La calidad de los rescates y su rigurosa ejecución, se encargan del resto.

Experiencia siempre compartida

“La verdad es que estamos viviendo 2026 con una mezcla muy bonita de satisfacción, responsabilidad e ilusión. Cuando uno mira atrás y ve todo lo que se ha construido durante tantos años, resulta especialmente gratificante comprobar que los proyectos siguen creciendo, evolucionando y encontrando nuevas formas de conectar con el público”, destaca Magraner. “Además, este año ha estado marcado por proyectos muy significativos para nosotros. La publicación de ‘San Francescoa’ a principios de año ha sido uno de ellos”, un recorrido sonoro por los siglos XIII y XIV, poniendo el acento en el contexto espiritual e intelectual de la Orden de los Hermanos Menores en el 800 aniversario de su muerte. “Cada nuevo disco supone abrir una ventana a un universo musical concreto, pero también compartir con el público meses de investigación, reflexión y trabajo artístico. Y cuando percibes que ese esfuerzo encuentra eco en quienes escuchan la música, la recompensa es enorme”.

“También estamos viendo cómo crecen y se fortalecen iniciativas impulsadas desde la Fundación Cultural CdM y COMES. Proyectos como Early Music Morella, el Festival Internacional de Música Medieval y Renacentista de San Juan del Hospital o el Festival Mencía de Mendoza de Ayora han ido desarrollando una personalidad propia. Lo que más nos emociona es comprobar que ya no son solo espacios para ofrecer conciertos, sino auténticos puntos de encuentro donde confluyen músicos, investigadores, estudiantes y público” o, lo que es lo mismo, vivir la música como una experiencia plenamente compartida.

El protagonismo de la velada fue a cargo del ensemble Eloqventia, liderado por el flautista de pico Alejandro Villar, un músico de contrastada trayectoria y colaborador habitual de formaciones de referencia en nuestro panorama historicista. Villar, cuya labor al frente de su propio grupo busca desenterrar tesoros sonoros de la Edad Media, se presentó ante el público oscense con una propuesta más que ambiciosa: un programa diseñado expresamente para el FICS que, tras su paso por el Camino, promete llevar la esencia de la música templaria a otros escenarios.

“El programa está dedicado a los Templarios, lo cual nos da la posibilidad de abordar un amplio repertorio medieval, con músicas provenientes de la cultura cristiana y también de la tradición oriental”, explicaba Villar, subrayando la riqueza de una selección que, lejos de ser monótona, alternaba piezas instrumentales con canciones de trovadores, dotando a la velada de un ‘dinamismo’ que atrapó a la respetable desde la primera de las notas.

La elección de este repertorio, según detalla el músico, no es casual. El programa incluyó hitos de la música medieval, como canciones dedicadas a las cruzadas en Tierra Santa o una versión del ‘Non nobis, Domine’, considerado históricamente el himno de la Orden del Temple. Pero el viaje no se detuvo ahí. “Interpretaremos también dos conocidas piezas del Llibre Vermell de Montserrat. En el apartado instrumental, una selección de estampidas instrumentales provenientes de las dos colecciones más importantes de la Edad Media: el ‘Chanssonier du Roi de Paris’ y el ‘Códice toscano 29987’ que alberga la biblioteca del Museo Británico en Londres, además de una moaxaja andalusí”, detalló Villar, evidenciando el rigor documental del que siempre ha hecho gala Eloqventia.

En un género donde gran parte de la autoría se pierde en el anonimato de los siglos, el valor reside en los códices que preservan estas obras. Sin embargo, el ensemble no renunció a los nombres propios. El interesado público de Monzón pudo reconocer las firmas de trovadores ilustres como Marcabrú o Walther von der Vogelweide, e incluso del mismísimo Ricardo Corazón de León, figuras que, a través de la interpretación de Eloqventia, cobraron una nueva vida.

Uno de los aspectos más celebrados por los asistentes —y que es marca de la casa— fue la cuidada puesta en escena. Villar es consciente de que el espectador del siglo XXI busca disfrutar de una experiencia completa: “Utilizamos más de veinte instrumentos de viento, cuerda y percusión, todos ellos réplicas de los que existían en la Edad Media y el Renacimiento”, comentaba el director sobre este despliegue técnico. “Tanto el público, como la crítica especializada, suelen hacer hincapié en la originalidad de las combinaciones tímbricas, el enfoque virtuosístico del repertorio enriquecido gracias a la ornamentación e improvisación y, por supuesto, la maravillosa voz de nuestro cantante solista, el contratenor Gabriel Díaz”.

La conexión con el público montisonense fue total. Lejos de la solemnidad rígida que a veces rodea a la música antigua, Villar lanzó un consejo sencillo: “Simplemente relajarse y dejarse llevar por un repertorio que puede resultar desconocido para gran parte del público, y cuyas melodías nos trasladarán directamente a la época de los Templarios”. Y así sucedió, con gran agradecimiento y júbilo por este concierto tan especial, diseñado a la medida.

Recuperación del patrimonio

La presencia de esta propuesta en el FICS pone el foco en el patrimonio musical de la Corona de Aragón. Para Alejandro Villar, la apuesta es básica: “Me parece un acierto, pues es fundamental y necesario poner en valor la importancia de la recuperación del patrimonio musical en España. Una tarea que involucra a investigadores, intérpretes y, obviamente, a los programadores que son los que, en última instancia, deben apostar por propuestas que ayuden a descubrir ese repertorio autóctono ligado a cada territorio”, afirma rotundo. Este concierto en Monzón marca, además, un punto de inflexión en la trayectoria reciente de Eloqventia. Tras un periodo de relativo silencio, el 2026 está siendo para la formación un año de reencuentro con los escenarios. “Eloqventia ha retomado con mucha ilusión su actividad, gracias a la fantástica acogida que están teniendo nuestras últimas propuestas”, señala Villar.

La crónica de la velada se cierra con una reflexión del músico sobre el estado de salud de la música antigua en nuestro país, un ámbito que él califica de “época dorada” en cuanto a calidad interpretativa. No obstante, lanza un aviso: “El problema sigue siendo la escasa apuesta que hacen algunos programadores y ciclos de conciertos por los músicos de aquí, en comparación con los presupuestos destinados a grandes intérpretes internacionales”. Además, Villar hace un llamamiento a la equidad histórica en los programas: “Aunque la música barroca ya está plenamente integrada en las programaciones, considero que falta todavía otorgar al repertorio renacentista y, especialmente, al medieval, su merecido reconocimiento”.

El paso de Eloqventia por el FICS no solo dejó un directo memorable en la memoria de los vecinos y vecinas de Monzón, sino que también reafirmó la importancia de seguir abriendo puertas a esos siglos olvidados, recordándonos que, a través de la música, el pasado ayuda a identificarnos a nosotros mismos cara nuestro lugar en el mundo para el tiempo presente.

“El FICS no es solo una programación de conciertos, sino un mapa cultural que atraviesa la provincia. Esta edición volverá a estar presente en Jaca, Canfranc, Villanúa, Castiello de Jaca, Santa Cruz de la Serós, Santa Cilia, Bailo, Berdún, Hecho, Siresa, Monzón, Tamarite de Litera, Bolea y Huesca, pueblos y ciudades que son parte esencial del relato del festival”, puso en valor Sampériz. Para el responsable de Cultura, “esta edición es original, ambiciosa y sugerente, porque une el Camino con el mar, el Alto Aragón con el Mediterráneo y la historia con la emoción de la música en directo. Una programación así no se improvisa. Requiere criterio, sensibilidad y capacidad para construir un relato coherente de principio a fin, y por eso quiero reconocer expresamente el trabajo del equipo de Cultura de la Diputación Provincial de Huesca”.

Caminos en la mar

Bajo el epígrafe común de ‘Caminos en la mar’, este año celebraremos una experiencia única y memorable, “centrándonos en la rica vida musical del Mediterráneo y de los propios territorios de la Corona en este periodo histórico”, comparte su director Luis Calvo. “Las rutas más frecuentes se dirigían, desde la Península Ibérica, hacia Cerdeña y Sicilia para alcanzar a continuación el mar Egeo, el Imperio Bizantino y el norte de África. Además, es éste un año de conmemoraciones. Celebraremos el 750 aniversario de la muerte de Jaime I, gran arquitecto de la formación de la Corona de Aragón”.

El recorrido por este apasionante Mare Nostrum comenzará en Monzón. “Y no es casualidad, pues allí los templarios tuvieron una presencia manifiesta. En Bolea, la Capella de Ministrers propone el programa ‘Alegoría del amor. Cantos de órgano y villancicos amorosos en el cancionero de Upsala’. Les Sacqueboutiers actuarán en la Ciudadela de Jaca interpretando un programa que se denomina ‘El Villano’: fusión entre el flamenco y la música antigua. En Berdún, Músicos de frontera ofrecen un concierto en el que el órgano se adereza de la percusión la chirimías las flautas y las gaitas. El grupo Taracea, en Santa Cruz de la Serós, nos acerca al ‘Llibre Vermell’ de Monsterrat. Una de las islas que conformó la Corona de Aragón, Cerdeña, será protagonista del concierto a celebrar en Jaca, en la iglesia del Carmen con los Tenores de Bitti ‘Mialinu Pira’, que han participado en prestigiosos eventos y conciertos en todo el mundo”, apunta Calvo.

Así mismo, siguiendo las rutas del Mare Nostrum, “la música nos lleva a la Ciudadela de Jaca para escuchas el ensemble Cantun Novum, un grupo que redescubre e interpreta repertorios de música antigua. El programa ‘Tonos, danzas, pasacalles, villancicos y cantadas en los territorios de la Corona de Aragón’, podremos escucharlo en Hecho de la mano de la formación aragonesa Chiavette. La Schola Cantarom Paradisi Portae, en la catedral de Jaca, presenta un programa titulado ‘Del Ars Antiqua al Ars Nova: Ecos de la Misa de Tournai en la Corona de Aragón (m. s. xiv)’. En la Ciudadela de Jaca, como clausura del festival, Capella de Ministrers reivindica su personalidad con ‘Mediterrànea. Un mar de música’. El mar nos lleva en esta ocasión a Italia y, en particular, a Nápoles, donde estallan los sentimientos en muchas direcciones. Nápoles, joya preciada de la Corona de Aragón”, remata Calvo.

Una magna programación

Con la inauguración el 30 de julio en el Museo Diocesano de Jaca de la exposición ‘Sonidos de la Corona de Aragón: Ecos en el Mediterráneo’, colección del Museo de Urueña tras el que está Luis Delgado, los conciertos arrancarán el 31 de julio en Monzón con Eloqventia y su directo sobre ‘Ecos templarios’, y le seguirán Melania Olcina y Sara Águeda (el 1 de agosto en Huesca), Capella de Ministrers (el 2 en Bolea), Dúo Orpheo (el 3 en Tamarite de Litera), Zaruk (el 4 en Castiello de Jaca), Les Sacqueboutiers (el 5 en Jaca), Músicos de frontera (el 6 en Berdún), Taracea (el 7 en Santa Cruz de la Serós), Bach Collegium Barcelona (el 8 en Santa Cilia), Tenores di Bitti ‘Mialinu Pira’ (el 9 en Jaca), Diana Baroni (el 10 en Canfranc Estación), Canticum Novum (el 11 en Jaca), MAB Consort (el 12 en Santa Cruz de la Serós), Enrike Solinís & Euskal Barrok Ensemble (el 14 en Siresa), Bachelona Consort (el 15 en Hecho), Chiavette (el 16 en Hecho), Schola Cantorum Paradisi Portae (el 18 en Jaca), La Tendresa (el 20 en Villanúa), para terminar el 21 de agosto en la Ciudadela de Jaca con la Capella de Ministrers que dirige Carles Magraner.

Para cerrar la oferta cultural del certamen, la nueva edición del ciclo de cine “estará dedicada, como no podría ser de otra manera, al Mediterráneo. Podremos ver tres películas en el cine de Hecho: ‘Kynódontas’ (‘Canino’, 2009), ‘Parthenope’ (2024) y ‘Un été a la Goulette’ (‘Un verano en la Goulette’, 1995), y una, ‘Mediterráneo’, en el Palacio de Congresos de Jaca con presencia del antropólogo Carles Feixa. Y por último, dos actividades fijas en la vida del festival: la excursión de la Asociación de Amigos del Camino de Jaca, desde Somport a Canfranc Estación, y el Ciclo de Teatro que organiza la Comarca de la Jacetania, este año en Berdún, Santa Cilia, Santa Cruz de la Serós y Bailo”, completa el director del FICS Luis Calvo. Para finalizar, se recordó que el diseño del cartel de este año corresponde al artista Alva Moca.

Invitaciones a partir del 6 de julio

El acceso a los conciertos iglesias, catedrales y Diputación de Huesca será de entrada gratuita con presentación de invitación, que estarán disponibles (máximo de 4 invitaciones por persona) a partir del 6 de julio, desde las 10 de la mañana, en la página web http://www.dphuesca.es/festivalcaminosantiago Los conciertos de Ciudadela de Jaca, precisarán de reserva de localidad previo abono de tasa de 3 euros por localidad, máximo de 4 invitaciones por persona, a realizar a partir de la misma fecha, hora, y web. La exposición ‘Sonidos de la Corona de Aragón: Ecos en el Mediterráneo’, se podrá ver por 2 euros o con entrada para visitar el Museo Diocesano.

El XXXV Festival Internacional en el Camino de Santiago está organizado por Diputación de Huesca con la colaboración del Ayuntamiento de Jaca y la Comarca de la Jacetania, y cuenta con el apoyo del Museo Diocesano de Jaca, INAEM, Ayuntamientos de Monzón, Tamarite de Litera, Huesca, La Sotonera, Jaca, Canfranc, Villanúa, Castiello de Jaca, Santa Cruz de la Serós, Santa Cilia, Berdún, Valle de Hecho y Bailo, los Obispados de Huesca, Jaca y Barbastro-Monzón, la Asociación de Amigos del Camino de Santiago de Jaca y la Asociación de Amigos del Camino de Santiago de Huesca. Así mismo, el certamen es miembro de FestClásica, Asociación Española de Festivales de Música Clásica.

Era apenas la segunda vez que el grupo interpretaba este programa —la primera fue en Toulouse, el pasado junio— y, sin embargo, la puesta en escena transmitió manifiestas dosis de ilusión y solidez. Quizá porque la formación lionense ya sabe lo que es cautivar al público del festival: en 2023 habían ofrecido ‘FugaCités’, otro proyecto de espíritu y talante híbrido. Ahora, la apuesta era aún más atrevida: tres ‘loopers’ funcionando en directo a pleno rendimiento como pedales de efectos, no solo para amplificar la percusión vocal del ‘beatboxer’, sino también para multiplicar las texturas del violonchelo barroco y el violín, creando un crisol de capas y resonancias insólitas para estos instrumentos.

Como no podía ser de otro modo, el repertorio giraba en torno a Johann Sebastian Bach, pero Comte quiso dibujar un mapa algo más amplio, sumando obras de Antonio Vivaldi y del menos conocido Johann Paul von Westhoff, cuya ‘La Campanella’ —una sonata que imita el repique de campanas con armónicos vibrantes— sorprendió con sonrisa y bienestar al respetable que llenó la iglesia de San Martín. El estilo interpretativo de Le Concert de l’Hostel Dieu es difícil de encasillar: conjugan una precisión milimétrica con un pulso rítmico vibrante; alternan momentos de concentración casi ritual con explosiones de energía. En palabras del propio Comte, la propuesta de Hecho invitó “a mantener la mente y los oídos bien abiertos” y dejarse guiar por el placer de su descubrimiento.

Muy ágil y perfectamente engrasada, la velada contó con tres ejes más que brillantes: el improbable diálogo entre sonatas y suites de Bach y las bases rítmicas del ‘beatbox’; la capacidad de los ‘loopers’ para expandir el espacio sonoro hasta convertirlo en una suerte de eco infinito; y, muy especialmente, las cinco nuevas conversaciones con el público, póker de creaciones originales de los jóvenes compositores franceses Clément Walker-Viry y David Chalmin. Estas piezas no se limitaron a ‘vestir de moderno’ el repertorio barroco propuesto, sino que propusieron un verdadero mestizaje melódico, cruce donde las síncopas urbanas se fundían con el contrapunto bachiano, sin perder en ningún momento la maravillosa esencia de cada mundo.

Mezcla de lírica y electricidad, tras vítores y aplausos, el camaleón de la noche continuó transitando por el valle con sus graves continuos, respiraciones y chasquidos. Este ‘Bach on the beat’ confirma que Bach es un territorio infinito, capaz de absorber las más variadas reinterpretaciones. Y si alguien lo demuestra es este conjunto lionés, que encuentra en su mestizaje una vía atractiva e innovadora para revitalizar el patrimonio de nuestro arte y cultura.

Tras la gira europea y americana de su último disco, ‘Les Fantômes d’Hamlet’, y con un próximo proyecto junto al contratenor Xavier Sabata basado en el mito del Orlando Furioso, Le Concert de l’Hostel Dieu atraviesa un momento bien dulce. Un lujo recalara por el FICS. Seguro que a Bach le hubiera gustado escuchar cómo su música sigue latiendo al compás de nuevos tiempos, o lo que es lo mismo, un inteligente diálogo sonoro, versátil y polifónico, a tres siglos vista.