Con el piano orientado hacia el sol, el de Fuengirola se preguntó sudoroso al principio si el calor monegrino no era acaso más intenso que el del sur de la península. “Con todas las gafas que me compré para el eclipse y resulta que me voy a quemar los ojos hoy aquí”, decía riéndose, mientras se quitaba y ponía unas gafas de sol no aptas para atardeceres cartujos.

Dijo que estaba nervioso y la verdad es que lo parecía. “No sé qué me pasa; igual es porque está mi hermano hoy aquí, pero me tiemblan las piernas”. Tan pronto se arrancaba con un tema de Luz con título parecido a uno suyo, como proponía coros imposibles que luego descartaba. El virtuoso del piano y referencia del Pop actual en español, reconoció que no estaba acostumbrado a cantar al aire libre y a plena luz del día. “Es que casi os conozco ya a todos”, les dijo a las primeras filas a mitad de concierto. “Normalmente no veo ni una sola cara”.

Arrancó solo frente al piano con la canción que da título a la gira, El Niño del Espacio, que enlazó con La Niña de la linterna, con la que mantuvo el tono narrativo y cercano que tan bien le funciona en teatros y auditorios, pero que al aire libre lo tenía algo descolocado. Para una gira que cerrará en breve en el Auditorio Alfredo Krauss de Gran Canaria (octubre) y el Gran Teatro Falla de Cádiz (diciembre), sus dos últimas fechas, la Cartuja de Nuestra Señora de las Fuentes era una prueba de fuego, y eso que solo se rozaron los 30 grados.

La banda apareció progresivamente y en ella destacaron Santi Novoa (trombón y percusión) y Jessica Estévez (trompeta, coros y percusión), que protagonizaron junto a Pablo, ya fuera al piano o a la guitarra, algunos de los momentos musicales más potentes del concierto.

Uno de los grandes aciertos del recital fue el equilibrio elegido entre sus temas clásicos y más conocidos y el material más reciente. De sus grandes éxitos, abordó al principio Lo saben mis zapatos, el primer tema propio coreado (había cantado junto al público una estrofa de un tema de Luz para sorpresa de todos), y poco después introdujo Te espero aquí. Luego llegó Tu enemigo y dejó El Mundo y El Patio para un gran final que despediría con Suplicando.

El público entregado respondió a cada reto que le planteó el artista con coros, palmas o risas, una vez culminada la eterna puesta de sol monegrina que tanto le había despistado. En un tono cercano y espontáneo, en el límite con la incontinencia verbal, Pablo López se afanó por humanizar el espectáculo, por demostrar que él es solo Pablo López, un tío normal de Fuengirola que sabe cantar y tocar el piano. Y al final quedó la sensación de haber vivido un recital de pura honestidad; de honestidad tímida y casi infantil, pero honestidad al fin y al cabo.

Los temas nuevos que ofreció, incluida Me voy a escapar, una canción que todavía no ha publicado “y que escribí ayer”, dijo entre risas, cuajaron rápido, en especial Esdrújula, El Niño del espacio y La niña de la linterna, que a buen seguro serán sus próximos grandes éxitos. Las dos primeras llevan 600.000 y 1.500.000 escuchas en Spotify en apenas un año.

El recinto de la Cartuja mostró un aspecto inmejorable, con casi 1.800 entradas vendidas para un aforo de 2.000. La infraestructura funcionó, con mención especial para las zonas de aparcamiento habilitadas y el flujo de acceso al recinto, además de la excelente ubicación de los WC’s. Quizá hubo un solo pero. Que una de las barras no pudo abrir por problemas ajenos al SoNna Huesca, y eso hizo difícil el refrigerio, sobre todo antes del concierto.

Las decenas de pavos reales que aún quedaban en las inmediaciones del espacio escénico corrían despavoridos a esconderse a sus dormideros. Se sentían amenazados por la energía desbordante de cinco seres humanos, castellanos recalcaron que eran, que desplegaban una alegría de vivir contagiosa y cómplice. Los “pollos” de El Nido no solo beben del folklore castellano, sino que lo convierten en un elixir que garantiza la eterna juventud.

No fue el de ayer un recital al uso, con un ritmo “in crescendo” hasta llegar a algún tipo de “climax”. Con estos burgaleses, el éxtasis se alcanza en el primer tema y ya no se abandona hasta un caótico final en el que no se distingue a los músicos del público. Acabaron y se pusieron a vender pimentón al respetable en su parada de merchandising. El pimentón es uno de los ingredientes básicos de las morcillas de Burgos (a las que no citaron), y ellos lo usan como metáfora de su vocación de Kilómetro 0. Usaron latas de pimentón grandes de pandero y alguna más pequeña para situarla sobre el Chaston de la batería y provocar un efecto de platillo “volante” rural.

Sin embargo, el resultado ni siquiera se acercó a lo bizarro. Detrás de esa apariencia de banda de instituto, de un ir y venir constante, y de cantar o tocar en el micro del otro, hay un trabajo musical importantísimo. Todo está medido, todo entra perfecto, a pesar de que todo parezca espontáneo y loco. Todos tocan con las manos y con los pies. Con los pies, la electrónica, las bases; y con las manos, instrumentos al uso: batería, guitarras, bajo, violín; y otros instrumentos menos habituales: palos, morteros, cucharas, azadas y latas.

Fue imposible hacerles una foto que no saliera movida, excepto a mitad de recital, cuando cantaron Arrorró, una nana que dedicaron a todas las madres y las abuelas que han sido y serán la correa de la transmisión oral de la cultura, en Castilla y en el resto del mundo, como bien dijeron. El compás de la nana lo marcaba el percusionista-baterista con una herradura golpeando una azada (más bien azadón). Fue quizás el único momento de austeridad folklórica que tuvo el concierto 200 del SoNna Huesca.

El Nido presentaba en la Finca Valonga su nuevo trabajo, La Constancia, en el que jotas, charros y agudillos se transforman con elegancia en material de rave folklórica mesetaria. “Después de un verano de camión y escenario, tocar en un sitio como este, a pie de hierba, es fascinante”. Eneko Lecumberri -dirección y voz- no habló mucho, pero todo lo que dijo fue desde el corazón. Tuvo palabras para bomberos y agentes forestales; para la Castilla comunera, para Palestina y para todos aquellos pueblos que defienden su lengua y su identidad. Viniendo de castellanos, la cosa tenía más valor.

La única versión que tocaron la presentaron con devoción y respeto histórico. El Somos castellanos que Orégano sacó en plena transición (1977) y que se transformó en el himno de una Castilla que surgía como pueblo. “No somos un pueblo que oprime, solo oprimen los tiranos”. El tema original sonó de fondo luego cuando el concierto había terminado.

El final fue apoteósico. Se dejaron para último bis el tema que grabaron con Rodrigo Cuevas en 2024, Tucucu, y con él llevaron al público a un éxtasis verbenero que fue intergeneracional y entrañable. El público se agachaba, cantaba y saltaba como poseído. Si se lo cuentan al psicólogo, esta semana se podrán saltar la terapia.

El Nido no habló de vino. No mentaron ni a la Ribera del Duero, ni los Arlanza burgaleses. Se supone que, aunque no participaron en la cata y visita guiada que organizó la bodega de Valonga una hora y media antes del concierto, quizá estaban impresionados por la finca, que cada año que pasa luce más bonita.

Los viñedos, los nogales, los olivos, los frutales… Aquí la biodiversidad se llama agricultura. En las paredes de la parte noble de la bodega hay varios cuadros con fotos antiguas de la mayor de las tres Teresas de la familia, que hoy son un tinto roble de Garnacha, Tempranillo y Syrah (Las Tres Teresas). Son fotos de la madre de Ferrán y Teresa Ferrer en el viñedo. Fotos de la familia que desde hace tres generaciones (1931) regenta la Finca Valonga. Esas “Teresas”, que son el ejemplo palpable de aquellas mujeres a las que El Nido poco después les dedicó su Arrorró.

Ustedes derribaron los prejuicios con la música tradicional hace mucho tiempo. Se puede decir que encabezan una generación que reivindica la música de raíz sin complejos para llevarla a los circuitos principales.

Han cambiado mucho las cosas desde que empezamos nuestra carrera artística. Es cierto que cuando lanzamos nuestro primer álbum y lo empezamos a mover por todo tipo de festivales y para todo tipo de público, las músicas de raíz vivían en su nicho sin salir demasiado a otros entornos. Y desde ahí se empezaron a hacer cosas muy variadas, eclécticas y creativas. Pero hoy en día se ha dado la vuelta a la tortilla y aunque está normalizado usar las herramientas de la música tradicional, creo que ahora se hace música desde el complejo: Poner bases electrónicas burdas a piezas tradicionales parece más una forma de disfrazar de trendy y validar la mediocridad a través de lo tradicional, que una forma de crear arte. 

Han regresado a su formación original con la que debutaron en 2012. Con Cubero bueno, Cubero malo, su séptimo álbum, vuelven a estar frente a frente con guitarra, mandolina y voz.

No creo que hayamos regresado, porque nunca lo dejamos. Desde 2010 (año en que salió nuestro primer disco) siempre ha sido la formación original, lo otro fueron más bien colaboraciones puntuales. Es como más a gusto nos sentimos para hacer música. Otros formatos ofrecen otras posibilidades y las colaboraciones explotan nuevos universos. Pero a la hora de arremangarse y crear música transparente y honesta, para nosotros es nuestro dúo.

Ustedes respetan las métricas tradicionales en paloteos, fandangos o seguidillas, pero luego hacen lo que les da la gana. ¿Eso es eclecticismo o evolución?

Las dos cosas, para nosotros el eclecticismo es punto de apoyo para evolucionar. Hoy en día se tiene la creencia de que lo electrónico es vanguardia y en realidad hoy muy pocas propuestas electrónicas que innoven. Nosotros intentamos innovar desde nuestro sonido acústico a base de armonías nuevas, recursos líricos nuevos, reinterpretando ritmos con nuestras herramientas, etc. Y sí, hacemos lo que nos da la gana, porque esto es arte por el arte, nuestro objetivo es crear e interpretar lo creado, no estamos aquí para seguir las normas que dicten las tendencias.

Dicen ustedes que hoy en día tener los pies en el suelo es un riesgo, como saltar sin red. ¿A qué se refieren?

En un mundo en que el todo el mundo tiene como objetivo “petarlo”, ser conscientes de que el arte no tiene nada que ver con la fama o el dinero es un suicidio comercial. Pero estamos muy satisfechos de ser conscientes de lo que somos y lo que queremos.

Enrique, hábleme de ese disco “Quique dibuja la tristeza” ¿Se necesita alguna desgracia en la vida para tener algo serio que decir? O solo hace lo escrito más profundo.

No creo que haga falta una desgracia para escribir, la muestra fehaciente es que de toda nuestra discografía (9 trabajos y varias colaboraciones) solo este disco surgió de una desgracia, en los otros también se habla de cosas serias, también hay temas profundos y también teníamos mucho que decir. Circunstancialmente, y por la dureza del caso, en esos días, semanas, meses, por mi cabeza no pasaba otra cosa, y no pude inhibirme de ello. Para mi fue como una terapia escribir sobre ello, y tuve la inmensa fortuna de que mi hermano me apoyara y me animara a sacarlo en un disco. De lo contrario esas canciones se habrían quedado para mi consumo propio.

Todo empezó en aquel concurso de folklore Agapito Marazuela que ganaron en 2010. El II Premio Europeo de Nueva Creación de folklore. ¿Saben quién ganó el primero? ¿Y el que ganó después?

Claro que lo sabemos, son compañeros y amigos, solo hay que hacer una búsqueda por el internet. Divertimento Folk y Castijazz son dos grandes grupos que también renuevan estas músicas. Y ha habido otros después.

¿Tienen contacto con los Bee Gees o los hermanos Gallagher (Oasis)? ¿Han hecho algún sindicato de músicos hermanos? Los Jackson o Pimpinela no parecen su estilo, pero los Estopa igual se apuntan.

Jajaja, Más bien nos habríamos sindicado con Stanley Brothers, Monroe Brothers, Osborne Brothers… Si es que ellos fueran de sindicarse y si no hubieran pasado ya casi todos a mejor vida.

No creemos que ninguno de esos músicos que mencionas quieran tener nada que ver con un sindicato. Ahora son empresas grandes y deben estar más cerca de la patronal que de otra cosa.

Vienen a Huesca desde Guadalajara. ¿Se acuerdan de Josep Borrell, que dijo cuando era ministro que la provincia de Guadalajara no existía? ¿Ustedes creen que Huesca existe o es un espejismo?

Huesca existe y es una maravilla. La gente, la cultura tradicional, el paisaje… 

Tenemos buenos amigos en Huesca. Todas las divisiones políticas se pueden poner en entredicho, y dependen del momento histórico en que nos fijemos para darles una forma u otra, para que tengan importancia o no la tengan en absoluto. Lo que no se puede discutir es la tierra, las gentes, la cultura. Y eso se ve estando en el sitio. Con eso nos quedamos en Huesca, en Teruel, en Guadalajara y en Soria.

Por 25 pesetas cada una, díganme cosas que sepan de Huesca.

Huesca no te la acabas, y si nos han de dar 5 duros por cada cosa de Huesca que sepamos…Sin entrar en mucho detalle por no ser tachados de prolijos, solamente con las canciones de La Ronda de Boltaña y del Grupo de la Val d’Echo que nos sabemos de memoria, ya sabemos más que cualquier ministro.

El público llenó el espacio Vicente Baldellou, tal y como estaba previsto, y disfrutó de un concierto íntimo y explosivo a la vez, gracias a un formidable elenco de músicos que encabezaban Diego Guerrero y Pascual Cantero (Muerdo), y que completaban magistralmente Cristian Letelier (piano), Álvaro Rey (trompeta), Nasrine Rahmani (Percusión) y Rainer Pérez (bajo). No está acostumbrado el SoNna Huesca a bandas tan amplias en recintos tan pequeños y, por contra, tan espectaculares. Todo se hace pequeño a la sombra de la colegiata de Alquézar, excepto la música.

La complicidad personal y artística de Diego Guerrero y Pascual Cantero es lo que llena de sentido el proyecto de dos finos artistas que derrochan sentido escénico, humildad y saber hacer. Con un repertorio construido a partir de grandes clásicos del cancionero hispanoamericano, pero sazonados con especias mestizas y actuales, la banda se gustó con el salseo de Cara de Payaso, el tango Cambalache o el vals venezolano Ódiame, y reservó momentos de recogimiento que asumió Muerdo con su Todo está bien, y con Sinvergüenza.

El directo, muy bien estructurado, dio para todo. Para hablar de los festivales en la naturaleza: “Larga vida”, dijo Muerdo. Para reivindicar el mundo rural y para cantar el cumpleaños feliz, con “tarta” incluida a la percusionista Nasrine Rahmani, pareja de Diego Guerrero y en “estado de buena esperanza”, para que no faltara ese punto de ternura a una fiesta entre amigos. El buen rollo en el escenario se trasladó al público, que no ha dejado de felicitarlos hasta hoy por la mañana, ya que la banda durmió en Alquézar “para no olvidar nunca su paso por el SoNna Huesca”, confesaba su “Road manager”.

Tras dos ediciones en los que la lluvia había sido protagonista, este año el equipo de producción de la caravana del Festival Sonidos en la Naturaleza pudo recoger en Alquézar sin tenderlo todo antes. El VII SoNna Huesca cerró su fin de semana inaugural con una sonrisa en los labios. El certamen que había abierto el día anterior Raül Refree y El Niño de Elche de una forma litúrgica y profunda, de repente se apuntó a la fiesta. 

El próximo fin de semana, el festival se desplaza hasta la comarca de La Litera para vivir los conciertos de Cantaderas en el Paseo del Sifón de Albelda, el sábado, y de Ëdda Díaz en el Parque Los Olmos de Binéfar, el domingo. Ambos conciertos están previstos a las 20.30 horas.

Presentación de Olvidadas en DPH el 9 de julio

El Ensemble Cantaderas, formado por Anne Marie Lablaude, June Telletxea, Ana Arnaz y Paloma Gutiérrez del Arroyo, presentará el próximo jueves 9 de julio en el Salón de Actos de la DPH su último trabajo: Olvidadas. El acto será de entrada libre.

El Ensemble Cantaderas aglutina un grupo de mujeres con una sólida formación en el campo de la música antigua que les permite enlazar repertorios de entre los siglos XIII y  XVI con otros de la tradición oral popular interpretados por mujeres.

Las Cantaderas eran grupos de mujeres contratadas y remuneradas durante la Edad Media para tocar, cantar y bailar, amenizando así distintos eventos sociales. En el siglo XIV aparecen descritas en el Libro del Buen Amor, del Arcipreste de Hita.

La presentación del libro disco Olvidadas, organizada por el Instituto de Estudios Altoaragoneses, será el preludio perfecto del concierto previsto ese mismo fin de semana en el Paseo del Sifón de Albelda (Sábado, 11 de julio a las 20.30 horas).

El libro CD Olvidadas, que ha estado precedido de un profundo trabajo de investigación, está dedicado a las españolas prisioneras en el campo de concentración nazi de Ravensbrück, deportadas entre 1942 y 1945. Grabado en la fábrica textil del propio campo, hoy Memorial Ravensbrück, el resultado musical bucea en lo que podríamos llamar el paisaje sonoro interior de aquellas prisioneras.

El grueso del contenido de Olvidadas lo resume el testimonio de una de ellas, Ángeles Martínez, a la que su compañera Dolores García Echevarrieta (Charlie) aconsejó “cuando te sientas triste canta. ¡Canta y vivirás!”, como medicina ante su inminente confinamiento en una celda de castigo. También se manifiesta en las músicas populares que se incluyen, recopiladas por diferentes vías. Son solo voces, ocasionalmente acompañadas de sencilla percusión: piedras, dedales, cucharas, un tambor o el ruido de las manos golpeando una mesa.

Todo ello está mezclado con piezas medievales y renacentistas que sugieren el universo subjetivo de las reclusas, en el que también reinan los silencios o el ruido del tren que abre el trabajo. Aunque pueda sonar algo ecléctico, Olvidadas es un proyecto que mezcla de forma sublime músicas tradicionales y música antigua, y que convierte la música en una herramienta para sobrevivir.

De Molina de Segura (Murcia) y de Huelva. Proceden ustedes del sur ibérico. De dos sures, en realidad. El mediterráneo y el atlántico. ¿Se parecen?

Se parecen en algo esencial: ambos miran hacia afuera. El Mediterráneo ha sido siempre una puerta y el Atlántico una llamada. Son dos mares distintos, pero los dos han traído músicas, acentos, especias, nostalgias y formas de entender la vida. Creo que Diego y yo compartimos esa condición fronteriza. Venimos de lugares donde la identidad no es una muralla sino un puerto.

Y de alguna manera también encarnan el sur latino, el sur iberoamericano.

Es que el sur, más que una coordenada geográfica, es una forma de estar en el mundo. Yo he encontrado en Latinoamérica una prolongación natural de mi propia sensibilidad. Hay una manera de cantar, de celebrar y de resistir que nos hermana profundamente. Cuando tocamos estas canciones sentimos que estamos tendiendo puentes entre orillas que en realidad nunca dejaron de estar conectadas.

¿Dónde se cruzaron sus caminos?

Nos cruzamos primero en la admiración mutua. Durante años nos fuimos siguiendo de lejos, coincidiendo en festivales, compartiendo amigos y escenarios. Pero hay encuentros que tardan en ocurrir porque necesitan madurar. Fue en la despedida de Juanito Makandé en la Plaza España de Sevilla. Él invitó a todos los artistas que admiraba, y entre ellos estábamos nosotros. Cuando finalmente nos sentamos a hacer música juntos, sentimos que llevábamos mucho tiempo conversando sin saberlo.

El disco lo han grabado en Madrid, París y La Habana. ¿Qué sensaciones han tenido en Cuba? ¿Cómo están nuestros hermanos cubanos? ¿Tenían luz?

Cuba siempre produce una mezcla difícil de explicar. Es un país que atraviesa enormes dificultades materiales y, al mismo tiempo, conserva una riqueza humana y cultural extraordinaria. Nosotros encontramos generosidad, talento, dignidad y una capacidad conmovedora para seguir creando belleza en medio de las adversidades. Y sí, vivimos algunos de los problemas cotidianos que afectan a la isla, incluidos los cortes de electricidad. Pero quizá por eso mismo la música allí tiene una potencia especial: porque muchas veces no es un lujo, sino una necesidad.

A usted (Muerdo) le dieron el año pasado el premio internacional Cubadisco 2025. Supongo que le llegaría al corazón.

Muchísimo. Más allá del reconocimiento artístico, lo sentí como un abrazo de una tierra que me ha dado muchísimo a nivel humano y musical. Cuba forma parte de mi educación sentimental. Recibir ese premio allí tuvo algo de conversación íntima con maestros y músicas que me han acompañado desde hace años.

Y Diego ha sido dos veces nominado a los Latin Grammy, al mejor disco flamenco. ¿A la América musical se va por mar o por aire?

A la América que yo conozco se va a través de África y de la clave cubana. Tuve la inmensa suerte de convivir y tener como maestro al gran Jerry Gónzález. Y aunque él era natural del Bronx, en Nueva York, era gran conocedor de la rumba afrocubana. Jerry me metió la clave en vena, y ha sido precisamente en este proyecto en el que hemos podido experimentar el guaguancó en todo su apogeo, gracias a la colaboración con uno de los máximos exponentes mundiales de ese género: Bárbaro Crespo, Machito.

Su proyecto conjunto, que editarán íntegro a final de año y del que han adelantado varios temas, evoca a las Big Band, a la época dorada del mambo. Es como si Count Basie hubiera coincidido con Paco de Lucía o con Camarón. ¿Algo así?

Es una imagen preciosa. No sé si nos atreveríamos a tanto, pero sí hay una voluntad de encuentro entre mundos aparentemente distintos. Nos interesa reivindicar esa época en la que la música popular era sofisticada sin dejar de ser popular. Hay mambo, hay son, hay rumba, hay flamenco, hay canción de autor. Lo que buscamos es que todo eso dialogue sin complejos.

Usted -Diego- ya formó de joven una Flamenco Big Band.

En efecto, en 2004 fui arreglista y director de la primera Big Band flamenca que se hizo en España. El proyecto lo lideró y el maestro Rubem Dantas, introductor del cajón en el flamenco con el septeto de Paco de Lucía. Aquello fue para mí, muy probablemente, el reto más exigente al que me he enfrentado en toda mi vida. Tenía 22 añitos y tenía enfrente a 30 músicos, muchos de ellos absolutos referentes del flamenco y del jazz internacional. Ahí sí que Count Basie se encontró con Camarón y Paco, jejeje.

Los tres avances del disco: Odiamé, Cara de payaso y Cambalache son tres piezas históricas de la música latinoamericana. ¿Va a tener todo el trabajo ese punto de homenaje?

Sí, aunque no desde la nostalgia. Nos interesan las canciones que han sobrevivido al paso del tiempo porque siguen teniendo algo que decir. Este proyecto nace del amor profundo por un repertorio que forma parte de nuestra memoria colectiva. Hay homenaje, por supuesto, pero también reinterpretación y conversación con el presente.

¿Será la primera vez en el Alto Aragón ? ¿Conocen el escenario de Alquézar? Javier Ruibal estaba un poco asustado el día que tocó allí.

Será la primera vez para este proyecto y tenemos muchísimas ganas. Hemos visto imágenes y parece uno de esos lugares donde la música adquiere otra dimensión. Entiendo perfectamente a Javier: hay escenarios tan hermosos que imponen respeto. Pero ese vértigo suele ser una buena señal. Significa que todavía somos capaces de emocionarnos antes de salir a cantar.

La primera aportación llegada de fuera de nuestras fronteras es la del propio cartel de la séptima edición, una escultura obra de la británica Kirsty Elson que simula un ave y que lleva por título Driftwood Bird. Elson vive en Cornualles (Inglaterra) y aprovecha la madera y los restos de deriva que encuentra en sus playas para crear esculturas de animales con ese material reciclado.

En cuanto al capítulo musical, el SoNna Huesca 2026 recorrerá el continente americano con la colombiana Ëdda Díaz (Binéfar, 12 de julio), la argentina Belén Natalí (Canfranc Estación, 25 de julio), la norteamericana Tori Sparks (Aísa, 26 de julio), los peruanos Alejandro y Maria Laura (Fraella, 29 de agosto) y el argentino Manu Sija (Laspaúles, 5 de septiembre). El programa internacional lo completan el senegalés Momi Maiga (Bodega Laus, 8 de agosto), los italianos Banditori (Linás de Broto, 15 de agosto), y el francés Matthieu Saglio (Bielsa, 16 de agosto). También cabría citar al ensemble hispano francés Cantaderas, cuyo concierto está programado el 11 de julio en el Paseo del Sifón de Albelda y para el que ya se han vendido un centenar de entradas.

Presentación de Olvidadas en DPH el 9 de julio

El Ensemble Cantaderas, formado por las francesas Anne Marie Lablaude y June Telletxea, y las españolas Ana Arnaz y Paloma Gutirérrez del Arroyo, presentará el próximo jueves 9 de julio en el Salón de Actos de la DPH su último trabajo: Olvidadas. El acto será de entrada libre.

El Ensemble Cantaderas aglutina un grupo de mujeres con una sólida formación en el campo de la música antigua que les permite enlazar repertorios de entre los siglos XIII y  XVI con otros de la tradición oral popular interpretados por mujeres.

Las Cantaderas eran grupos de mujeres contratadas y remuneradas durante la Edad Media para tocar, cantar y bailar, amenizando así distintos eventos sociales. En el siglo XIV aparecen descritas en el Libro del Buen Amor, del Arcipreste de Hita. 

La presentación del libro disco Olvidadas, organizada por el Instituto de Estudios Altoaragoneses, será el preludio perfecto del concierto previsto ese mismo fin de semana en el Paseo del Sifón de Albelda (Sábado, 11 de julio a las 20.30 horas). 

El libro CD Olvidadas, que ha estado precedido de un profundo trabajo de investigación, está dedicado a las españolas prisioneras en el campo de concentración nazi de Ravensbrück, deportadas entre 1942 y 1945. Grabado en la fábrica textil del propio campo, hoy Memorial Ravensbrück, el resultado musical bucea en lo que podríamos llamar el paisaje sonoro interior de aquellas prisioneras. 

El grueso del contenido de Olvidadas lo resume el testimonio de una de ellas, Ángeles Martínez, a la que su compañera Dolores García Echevarrieta (Charlie) aconsejó “cuando te sientas triste canta. ¡Canta y vivirás!”, como medicina ante su inminente confinamiento en una celda de castigo. También se manifiesta en las músicas populares que se incluyen, recopiladas por diferentes vías. Son solo voces, ocasionalmente acompañadas de sencilla percusión: piedras, dedales, cucharas, un tambor o el ruido de las manos golpeando una mesa.

Todo ello está mezclado con piezas medievales y renacentistas que sugieren el universo subjetivo de las reclusas, en el que también reinan los silencios o el ruido del tren que abre el trabajo. Aunque pueda sonar algo ecléctico, Olvidadas es un proyecto que mezcla de forma sublime músicas tradicionales y música antigua, y que convierte la música en una herramienta para sobrevivir. 

Los Hermanos Cubero, en Allué

Debido a problemas técnicos, la organización del VII SoNna Huesca ha decidido sustituir el espacio del concierto de los Hermanos Cubero, previsto para el 1 de agosto. La iglesia de San Martín de Ordovés ha sido descartada como escenario para la presente edición y en su lugar debutará como espacio del SoNna Huesca el entorno de la iglesia de San Juan Bautista de Allúe, también en el municipio de Sabiñánigo. 

A escasos cinco kilómetros al Este de Sabiñánigo, Allué está situado sobre una elevación que le permite dominar el valle del río Basa. Exenta y alejada del caserío está la iglesia de San Juan Bautista, de estilo románico del siglo XII, reconstruida en el s. XVI y rehabilitada por Amigos de Serrablo en las campañas de 1982 y 1983, y en otras posteriores. Es una iglesia abierta, sin ornamentación, que se puede visitar en todo momento. 

Es lo que harán los alcarreños Hermanos Cubero, santo y seña del folklore castellano manchego contemporáneo. Nacidos en Guadalajara, desde sus inicios en 2010 han sido capaces de derribar los prejuicios con los que se topa la música tradicional, llevando su trabajo a circuitos mainstream y encabezando una generación liberada de complejos que reivindica la tradición de manera normalizada.

Por separado, los dos conciertos de clausura están cerca del millar de entradas vendidas, cuando todavía faltan más de dos meses para su celebración. En el goteo de retirada de invitaciones (de 1 y 3 euros) destacan sobre todo los conciertos que ya han superado el centenar de espectadores en espacios de entre 200 y 350 de aforo: los de Diego Guerrero y Muerdo en Alquézar el 5 de julio, los Hermanos Cubero en Ordovés el 31 de julio, Gilipojazz en la Bodega Edra de Ayerbe el 7 de agosto o el de Joan Miquel Oliver en la ermita de San Medardo de Benabarre el 9 de agosto, con más de 130 entradas vendidas.

Dos espectáculos de circo contemporáneo

Aunque el SoNna Huesca es un festival eminentemente musical, el certamen de la Diputación Provincial de Huesca siempre reserva algunas fechas para el teatro y el circo contemporáneos. En esta ocasión, el programa de circo contemporáneo se concentra en el fin de semana del 22 y 23 de agosto. El día 22, la compañía vasca La Trapecionista ofrecerá su espectáculo Zuhamu en el bosque de Castejón de Sos y al día siguiente será el turno de la compañía vascocatalana Kankarro en la ermita de La Ganza, en Calasanz (Peralta de Calasanz). Esta programación está organizada en el marco del proyecto europeo de cooperación transfronteriza EKO-Pyrénées de Cirque, cofinanciado por el FEDER a través del programa Interreg-Poctefa.

En el bosque de Castejón, La Trapecionista ofrecerá Zuhamu, una propuesta artística que busca visibilizar la importancia de los árboles y los ecosistemas, promoviendo una conexión profunda y consciente con la naturaleza a través del circo, la danza y la música en vivo. Zuhamu es árbol en euskera arcaico y surge como proyecto artístico con el encuentro entre Juanjo Altuna, un técnico forestal, la compañía vascofrancesa Rouge Elea y el Festival Arbola. El árbol es el protagonista y el centro del escenario, que comparte con el músico (violonchelo y otros instrumentos), los acróbatas (danza vertical, multi cuerdas…) y la coreografía, que refleja los movimientos fluidos de la naturaleza y el agua. 

Kankarro, por su parte, es un proyecto artístico multidisciplinario que combina circo, danza y cultura vasca para explorar temas rurales, ecológicos y tradicionales. La original propuesta está centrada en la cultura de la manzana en el mundo vasco, celebrando su ciclo vital desde su semilla, pasando por el árbol, hasta el compost. Kankarro pone en valor las tradiciones agrícolas ante la actual industrialización y automatización. Kankarro construye una identidad performativa o artística con la cuerda, el arnés, el cuerpo, la manzana y ciertos elementos rurales. Danza circense que explora la gravedad de la masa suspendida y estimula los cinco sentidos.

Lista SoNna Huesca 2026 en Spotify

Como novedad de esta séptima edición, la organización del Festival Sonidos en la Naturaleza ha preparado una lista pública de reproducción de Spotify a la que se puede acceder desde los perfiles de Instagram y Facebook. Todavía no aparece indexada en las búsquedas de Spotify, algo que tendrá que esperar a que la lista se consolide con seguidores, interacción y antigüedad. En esa lista, el usuario podrá escuchar varios temas de cada uno de los grupos incluidos en el SoNna Huesca 2026. En total, son 65 temas o canciones, que resumen la parte musical de la séptima edición del certamen.

El festival descubrirá este año escenarios como el Parque de Los Olmos de Binéfar, el anfiteatro de la estación internacional de Canfranc, la Iglesia de San Martín de Ordovés, en Sabiñánigo, la iglesia de la Ascensión del Señor de Aquilué (Caldearenas), la ermita del Viñedo de Loporzano, la Bodega Edra de Ayerbe, el Jardín de Esculturas Domingo Subías de Laspaúles o la ermita de Nuestra Señora de Treviño, en Adahuesca; todos ellos debutantes en el festival. 

Artistas procedentes de Francia, Colombia, Argentina, EE.UU, Senegal, Italia o Perú, si resumimos la participación internacional, pero también de Andalucía, Aragón, Asturias, Baleares, Castilla y León, Castilla La Mancha, Cataluña, Euskadi, Galicia, Madrid o Murcia. Casi todos ellos con un denominador común, la música de raíz.

Música de raíz

 “En un contexto donde muchos eventos culturales tienden a parecerse”, explicó la directora del certamen, Begoña Puértolas, “apostar por músicas populares y de raíz construye una identidad propia y diferenciada, ligada al territorio. El SoNna”, añadió Puértolas, “quiere reivindicar que la innovación y la creación también nacen desde el mundo rural, y no únicamente desde las grandes ciudades”.

La técnico de la DPH destacó “la vinculación del programa de este año entre la música de jazz y las bodegas presentes en el certamen. En la Bodega Edra de Ayerbe tocarán los madrileños de Gilipojazz, en la bodega Laus tocará el senegalés Momi Maiga y en la Finca Valonga, los castellano leoneses de El Nido. “El SoNna programa artistas emergentes y propuestas consolidadas”, explicó Begoña Puértolas. En la primera categoría, ha incluido La Bulale & Lana Nova, Terrae, o Nico Miseria, entre otros; y en la segunda nombres como los Hermanos Cubero, Joan Miquel Oliver o Matthieu Saglio.

Entre los nombres más reconocibles estarán también Raúl Refree y El Niño de Elche (Madrid), “una referencia en el flamenco contemporáneo”, el ensemble hispano francés Cantaderas, Tori Sparks (EE.UU.) o el dúo Joaquín Pardinilla y Ernesto Cossío (Aragón); además de Luz Casal y Pablo López, protagonistas en el cierre de la séptima edición. A este respecto, la novedad del VII SoNna Huesca es el abono de 50€ que se ha sacado para los dos conciertos de la Cartuja de Sariñena, que por separado cuestan 30€ en venta anticipada. “Hemos pensado que podía haber mucho público interesado en las dos propuestas que se plantean”, explicó Begoña Puértolas.

La Diputación Provincial de Huesca continúa con su apuesta por el Festival Sonidos en la Naturaleza, SoNna Huesca, que con sus escenarios de pequeño formato en enclaves naturales -la gran mayoría- y en espacios urbanos singulares, se ha convertido en una apuesta de futuro que en esta edición celebrará su concierto número 200.

El cartel del SoNna Huesca 2026 es una obra de la artista británica afincada en Cornualles, Kirsty Elson.

Cuaderno de Viaje SoNna 2025

El acto de presentación de la edición de 2026 sirvió también para presentar en público el Cuaderno de Viaje del SoNna 2025, una publicación editada por la Diputación Provincial de Huesca y elaborada por el gabinete de comunicación del festival. “Queremos tener cada año este cuaderno de viaje para que sirva de memoria gráfica de los espacios que recorre y descubre cada año el certamen, y cómo maridan con las propuestas artísticas”, explicó Carlos Sampériz.

El Cuaderno de Viaje es un libro de 144 páginas que sigue cronológicamente el desarrollo de la sexta edición del SoNna Huesca a través de textos y fotos que presentan los paisajes que recorrió el festival en 2025. En él han participado fotógrafos como Sergio Sánchez, Sergio Sanz, Pilar A. García Moyano, Juan Tabuenca o La Colmena Creativa. 

Los textos principales son obra de Sergio Sánchez Lanaspa y el Cuaderno cuenta también con las colaboraciones de Luis Lles, Antonio Lachos o Victoria Falcó.

Diseñado por Blanca Otal y coordinado por Begoña Puértolas, el cuaderno de viaje del SoNna Huesca no solo describe los bosques, las ermitas, las bodegas, fuentes, árboles monumentales, bordas e iglesias del Alto Aragón que el Festival Sonidos en la Naturaleza recorrió el verano pasado, sino que también rememora el episodio cultural vivido en cada uno de esos espacios. 

La monumental Cartuja de Nuestra Señora de las Fuentes vivió un torbellino musical. Bregović, traje blanco, mirada cómplice y sonrisa irónica, apareció en escena dispuesto a cumplir la promesa que mantiene desde hace décadas: ningún concierto suyo es una simple sucesión de canciones, sino un ritual colectivo y una celebración que cruza fronteras. El bosnio vivió el recital sentado, pero muy implicado. Los suyos se movían por él.

El concierto lo comenzaron los vientos (tubas, trompetas, saxofones…) salidos de entre el público, que rápidamente aceptó la invitación a la boda-funeral balcánica que les proponía Bregovic. “Gora Goran” se le oyó gritar a un vasco, en un ambiente de celebración ritual. Familias enteras, grupos de amigos, curiosos y melómanos veteranos se dejaron arrastrar por la vorágine sonora. Se bailó, se rió y se aplaudió con fuerza en una fiesta en la que el propio Bregović parecía disfrutar como un invitado más.

El repertorio fue generoso; veintiuna canciones en hora y media de concierto en la que alternó sus temas más conocidos con los de su último trabajo discográfico. El público se reconoció sobre todo en Vino tinto (que en su día grabó con Bebe, a la que tuvo el acierto de citar, como también hizo con los Gipsy Kings), en Gas Gas, Maki Maki… los temas que lo han hecho celebre, y se guardó para el final las dos canciones más pegadizas y en las que el respetable se dejó la garganta: su versión de Bela Ciao y la celebérrima Kalashnikov, cuando ya se había hecho de noche.

Aunque solo se vendió la mitad del aforo, el público, venido mayoritariamente de fuera de la comarca, y el gran compositor balcánico pusieron el listón muy alto para lo que queda de la clausura de la sexta edición, que se despide hasta 2026 con dos de las voces de la última década de la música española.

Desde que el pasado 5 de julio, el SoNna Huesca echara a andar en el espacio Vicente Baldellou de Alquézar, con el recital de Idoipe y María Rodés, la sexta edición del Festival Sonidos en la Naturaleza, SoNna Huesca 2025, ha visitado 25 espacios naturales o patrimoniales en otros tantos municipios de la provincia en algo más de dos meses de verano y de festival. Tras las citas de Fraella (Grañén) y Santalecina (San Miguel de Cinca) el pasado fin de semana, el certamen hace la última parada del viaje de 2025 en lo que es su casa madre: la Cartuja de Sariñena.

Como en los cinco años anteriores, la Cartuja de Nuestra Señora de las Fuentes, albergará el fin de semana de clausura con los dos únicos conciertos de pago del festival, el que ofrecerá el bosnio Goran Bregovic el viernes, 12; y el programa doble del sábado 13, que incluye a la madrileña Travis Birds y a la vasca La Bien Querida. El SoNna Huesca cambia de formato en la Cartuja y salta del pequeño al gran formato, con un aforo de 2000 espectadores. La inmensidad del espacio amurallado lo permite. Como también permite la total accesibilidad del recinto.

Las localidades para ambos conciertos tienen un precio de 25€ si la compra es anticipada o de 30€ si es en taquilla. Los menores de ochos años tienen entrada gratuita disponible en la web (dphuesca.es/sonna-invitaciones). Los menores de 15 años deben ir acompañados y los menores de 18 años deben portar el documento de menores que también se puede descargar en la web.

La Cartuja de las Fuentes

Desde que la Diputación Provincial de Huesca asumió la titularidad de la Cartuja de Nuestra Señora de las Fuentes, la institución ha invertido casi cinco millones de euros en su rehabilitación y adecuación, incluidos los 921.000€ destinados a la restauración de los frescos de Bayeu.

Durante los últimos años el proceso de recuperación de la Cartuja de las Fuentes ha avanzado considerablemente, pues a la finalización de la restauración de las pinturas de la iglesia y del claustrillo y los patios interiores, se han sumado las obras para el suministro eléctrico y de agua potable, entre otros muchos conceptos.

Tras estas y otras actuaciones, la institución provincial habrá superado los cinco millones de euros de inversión en revitalizar este conjunto patrimonial y convertirlo en un referente cultural.

El Monasterio de la Cartuja de las Fuentes, la Cartuja de Monegros, fue fundado en el año 1507 por los condes de Sástago, doña Beatriz de Luna y don Blasco de Aragón, y fue la primera de las cartujas levantadas en el Reino de Aragón, decimoquinta del territorio español. Está enclavada en el corazón de los Monegros, al pie de la sierra de Alcubierre, en el término municipal de Sariñena.

La Cartuja Nuestra Señora de las Fuentes está declarada Bien de Interés Cultural y es Conjunto Histórico-Artístico desde 2002. Está considerado uno de los conjuntos pictóricos barrocos más importantes de los que existen en Aragón. Sus frescos murales fueron realizados por fray Manuel Bayeu, cuñado de Goya y monje de esta comunidad.

Una cartuja es un monasterio de la orden religiosa de los cartujos. La palabra cartuja proviene de Chartreuse, un macizo francés al norte de Grenoble, donde San Bruno fundó la primera iglesia cartuja en 1084. Durante los siglos XI, XII y XIII hubo muy pocas cartujas; 37 en Europa que llegan a ser 195 en el siglo XV. Desde el siglo XIV fueron receptáculos de arte, en sus más variadas manifestaciones.

Destaca para el viajero su torre elevada en la planicie, presumiendo en el agreste paisaje, entre secarrales de espartos, ontinares y tomillares. El entorno árido de la Cartuja de Nuestra Señora de las Fuentes de Sariñena, sin embargo, esconde una fuente milagrosa por donde brota el agua: la fuente del Milagro. Un lugar donde, según la tradición popular, apareció la imagen de la virgen de Nª Sª de las Fuentes, dando nombre a la ermita y luego al monasterio.

Fin de semana de clausura

El programa se inicia el viernes a las 19.00 horas con el concierto Goran Bregovic. El veterano músico bosnio (Sarajevo, 1950) se convirtió en un icono desde su debut como compositor, cuando hizo la banda sonora de El tiempo de los gitanos (1988), la película de su paisano Emir Kusturica.

Los mejores auditorios de todo el mundo han sido testigos de sus explosivas actuaciones, un potente destilado que sintetiza y amalgama las formas folklóricas del este de Europa. En este 2025 ha presentado su disco The Belly Button of the World con el que anda girando por todo el mundo.

El sábado el programa es doble. A las 19.00 horas saldrá al escenario la madrileña Travis Birds. Desde que la descubrimos con Coyotes -aquella magnífica canción cabecera de la serie El Embarcadero de Movistar+- caímos en el embrujo de su inconfundible voz y en su capacidad para transmitir emociones profundas a través de su música, como sucedió en su debut en el SoNna Huesca con su concierto en 2021 en el Salinar de Naval. Hoy en día, con una carrera más que consolidada y con muchos conciertos a sus espaldas, ese embrujo sigue latente.

Con su último disco, Perro Deseo, Travis explora un universo sonoro inédito en su carrera con el que consigue alcanzar una nueva dimensión que se refleja en sus creaciones musicales, pero también en su personaje, caracterizado hasta ahora por una imagen oscura, íntima y con matices extravagantes. En esos nuevos sonidos vemos una Travis Birds mucho más transgresora y afilada, con el deseo recorriendo el disco como un hilo conductor.

Tras la “niña poetisa” saldrá al escenario -a partir de las 20.30 horas- la bilbaína Ana Fernández Villaverde, conocida como La Bien Querida. No es casualidad que su último disco se llame LBQ, La Bien Querida, el nombre artístico con el que se dio a conocer en 2009. Desde Romancero, su primer trabajo, hasta Paprika (2022), han pasado siete discos y un puñado de himnos. Faltaba, sin embargo, el mejor de todos.

LBQ es La Bien Querida intransferible y auténtica, más despojada de sonidos con los que ha experimentado en los últimos trabajos y religiosamente indie en la manufactura. Ana se desliza en su último trabajo por asuntos que tienen que ver con el amor, su llegada y su partida, y con estados de ánimo. En este ramillete de canciones está depositado el mejor ADN de una voz que se abrió hueco hace quince años y sigue construyendo una memoria a la que regresar.